Scott Joplin

Publié en 1907 avec la mention « a fast ragtime two step », ce rag annonce dans son sous-titre ce qu'il attend du pianiste : de la vivacité. Le *two step* était une danse de salon à deux temps, rapide et sautillante, très à la mode au tournant du siècle, et beaucoup de rags étaient conçus pour l'accompagner. C'est une page brillante, animée, où les syncopes s'enchaînent sans temps mort. Le caractère est celui d'une danse joyeuse et énergique, plus proche du divertissement que de l'introspection. Joplin vit alors à New York, où il s'est installé pour se rapprocher des éditeurs et du monde du spectacle. Il y consacre une énergie croissante à ses projets lyriques, mais continue de publier des rags de danse destinés au grand public. La vitesse demandée en fait un morceau plus exigeant que les rags lents. Comptez un bon niveau intermédiaire.

Eugenia est l'un de ces rags que la célébrité du *Maple Leaf Rag* et de *The Entertainer* a laissés dans l'ombre, et c'est précisément ce qui en fait l'intérêt pour qui veut découvrir le reste du catalogue. Publié au milieu des années 1900, à une période où Joplin s'est installé à Saint-Louis et travaille à des projets plus ambitieux, ce morceau montre un compositeur en pleine possession de son style. Les sections s'enchaînent avec naturel, les syncopes sont variées, et l'écriture de la main gauche est plus mobile que dans les premiers rags. On y retrouve ce qui fait la signature de Joplin : un équilibre entre la légèreté de la danse et une construction réfléchie, où chaque section répond à la précédente. Rien de démonstratif, mais une grande cohérence. Pour un pianiste qui a déjà travaillé un rag célèbre et cherche à élargir son répertoire, c'est une excellente suite, moins entendue et tout aussi gratifiante à jouer. Niveau intermédiaire.

Joplin a dédié ce rag à P. G. Lowery, cornettiste et chef d'orchestre afro-américain très connu à l'époque, qui dirigeait des formations de cirque et de spectacles itinérants. La dédicace dit quelque chose du milieu dans lequel le ragtime circulait : les orchestres de parade, les fanfares, les spectacles de tournée. Publié en 1902, *A Breeze From Alabama* porte bien son titre. C'est une page légère, aérée, d'une grande élégance mélodique, où les syncopes restent discrètes et où la ligne chantée prend souvent le dessus sur l'effet rythmique. On y entend aussi une influence de la marche, sensible dans la carrure des phrases et la netteté des cadences. Joplin, qui avait joué du cornet dans des formations de ce type, en connaissait parfaitement les codes. Le morceau est d'une difficulté modérée et convient à un pianiste qui a déjà abordé un ou deux rags plus simples.

Sous-titré « a ragtime classic two step », *Sugar Cane* paraît en 1908, et il ressemble à son illustre aîné plus qu'on ne le remarque d'abord : la construction et certains enchaînements rappellent de près le *Maple Leaf Rag*, au point que plusieurs musicologues y voient une sorte de variation sur le modèle de 1899. Ce rapprochement n'a rien de péjoratif. Joplin revient souvent sur des formules qui ont fait leurs preuves, et il les retravaille avec l'expérience acquise en dix ans. Le résultat est un rag plus mûr, plus fluide dans ses transitions, qui garde l'énergie du modèle tout en l'assouplissant. La mention « classic » du sous-titre dit bien l'ambition : ce n'est pas un air de danse jetable mais un morceau pensé pour durer, dans la tradition que Joplin défendait. Le niveau est intermédiaire. Comparer ce rag au *Maple Leaf Rag* est d'ailleurs un exercice très instructif pour comprendre l'évolution d'un compositeur.

Deuxième collaboration publiée avec Scott Hayden, après le *Sunflower Slow Drag*, ce rag de 1903 porte un titre d'argot américain qu'on pourrait traduire par « il se passe quelque chose », avec l'idée d'une animation, d'une effervescence. Le travail à deux mains, au sens propre, laisse des traces. Les sections n'ont pas toutes la même couleur, et l'on a souvent cru y distinguer les apports de chacun : des idées plus directes, plus dansantes, à côté d'autres plus élaborées. Il est pourtant impossible de trancher avec certitude, et le morceau fonctionne comme un tout cohérent. Hayden, élève de Joplin à Sedalia, a composé plusieurs rags avec lui avant de s'éloigner de la musique. Leur collaboration reste l'un des exemples les plus connus d'écriture partagée dans le ragtime classique. Le caractère est vif et festif. Le niveau est intermédiaire, sans difficulté technique marquante.

Le titre reprend celui d'un discours prononcé en 1899 par Theodore Roosevelt, *The Strenuous Life*, où le futur président exaltait l'effort, l'énergie et l'action. Roosevelt devient président en 1901, et Joplin publie ce rag l'année suivante, en plein dans l'actualité. La musique répond à cette idée d'énergie. C'est un rag dynamique, affirmé, aux sections bien tranchées, où le rythme porte l'essentiel du discours. On est loin de la tendresse des *slow drags* : ici tout avance, tout pousse. Le choix d'un titre d'actualité n'était pas rare chez les compositeurs de rag, qui cherchaient à accrocher l'attention du public dans les vitrines des marchands de musique. Joplin n'échappait pas à cette logique commerciale, même lorsqu'il défendait l'ambition artistique du genre. Comptez un niveau intermédiaire, avec une vraie exigence de netteté rythmique.

Un rag qui raconte une histoire. Publié en 1909, *Wall Street Rag* est l'une des rares pièces de Joplin où chaque section porte une légende inscrite sur la partition, décrivant une scène à la Bourse de New York. La première évoque la panique des marchés et des agents de change abattus. La suivante annonce que de meilleurs jours arrivent, puis qu'ils sont arrivés. La dernière montre les financiers oubliant leurs soucis en écoutant du véritable ragtime. On mesure l'humour, et l'affirmation discrète : c'est la musique qui console. Le contexte n'est pas anodin. La panique bancaire de 1907 avait secoué les États-Unis deux ans plus tôt, et le public reconnaissait immédiatement l'allusion. Musicalement, les sections suivent ce parcours, de l'inquiétude vers la gaieté. Le pianiste dispose donc d'un programme précis pour guider son interprétation. Niveau intermédiaire.

La couverture de l'édition originale montre des athlètes : joueurs de base-ball, coureurs, rameurs. *The Easy Winners*, publié en 1901, célèbre ceux qui gagnent sans effort apparent, et la musique partage cette aisance. C'est l'un des rags les plus lumineux de Joplin. Les mélodies bondissent, les syncopes sont franches sans être brutales, et l'ensemble a une allure de fanfare légère, de fête en plein air. Tout y respire la bonne humeur, et le morceau a longtemps figuré parmi ses plus appréciés. La construction suit le modèle qu'il a fixé : plusieurs sections contrastées, un passage vers une tonalité voisine, des reprises qui permettent de varier le jeu. Mais l'invention mélodique y est particulièrement fraîche, et chaque section apporte une idée réellement nouvelle. Il est un peu plus exigeant que les rags lents du même auteur, sans atteindre la difficulté du *Maple Leaf Rag*. Comptez un bon niveau intermédiaire.

Un *slow drag* est une danse lente, traînante, où les couples glissaient plus qu'ils ne sautaient. Le titre indique donc d'emblée un tempo et un caractère très différents du rag rapide qu'on imagine souvent. Joplin a signé ce morceau avec Scott Hayden, un jeune musicien de Sedalia dont il avait fait son élève et dont il épousa la belle-sœur. Les deux hommes collaborèrent sur plusieurs pièces, et celle-ci, publiée en 1901, fut l'un des succès du catalogue de John Stark. Le caractère est tendre, presque nonchalant. Les syncopes y sont souples, la mélodie avance sans hâte, et la pièce a quelque chose de la chanson sentimentale. C'est un bon contrepoint aux rags plus brillants du même auteur. Pour le pianiste, le tempo modéré est une aide précieuse : on peut installer la mise en place rythmique sans être pressé par la vitesse. C'est l'un des rags les plus accessibles du catalogue de Joplin.

*Peacherine* : le mot est un jeu de langage de l'époque, à mi-chemin entre la pêche et la clémentine, que l'argot américain employait pour désigner quelque chose de délicieux, de réussi. Le titre annonce la couleur : un rag aimable, souriant, sans rien d'inquiet. Publié en 1901 par John Stark, l'éditeur de Sedalia qui avait lancé le *Maple Leaf Rag*, ce morceau appartient à la première période de Joplin, celle où il produit plusieurs rags par an pour un public friand de nouveautés. La forme est la forme classique du genre : quatre sections, une modulation vers la sous-dominante au milieu, un retour conclusif. C'est un rag de caractère plus lyrique que démonstratif. Les mélodies y sont chantantes, les syncopes moins agressives que dans les pièces plus célèbres, et l'ensemble a une douceur qui convient bien à un premier contact avec le style. Comptez un niveau intermédiaire.

Ce n'est pas un rag au sens strict. *Solace*, publié en 1909 et sous-titré « a Mexican serenade », est une habanera : une danse lente d'origine cubaine, au rythme balancé caractéristique, que l'Europe connaissait par la *Carmen* de Bizet et qui avait largement pénétré la musique américaine. C'est la page la plus mélancolique et la plus intime de Joplin. Le tempo est lent, la mélodie tendre, et le rythme de habanera installe un balancement doux qui n'a rien de la vivacité du ragtime de danse. On pense davantage à une sérénade nocturne qu'à une salle de bal. Longtemps négligée, la pièce a trouvé un large public lorsqu'elle a été reprise, avec d'autres œuvres de Joplin, dans la bande originale d'un film à succès des années 1970. Sa lenteur la rend plus accessible techniquement que les rags rapides. La difficulté est expressive : tenir le balancement et le chant sans que la pièce s'affaisse.

Ce n'est pas un rag mais une valse, et Joplin tient à le préciser dès le titre : *A Concert Waltz*, une valse de concert, destinée à être écoutée plutôt que dansée. Publiée en 1905, la pièce est souvent rapprochée d'un drame personnel. En 1904, Joplin avait épousé Freddie Alexander, qui mourut quelques mois plus tard d'une maladie contractée peu après le mariage. Rien ne prouve un lien direct avec cette valse, mais son climat, mélancolique sous une surface élégante, a nourri cette lecture. L'écriture est d'une grande finesse. Joplin y combine le balancement à trois temps de la valse et des syncopes héritées du ragtime, qui décalent délicatement les appuis. Le résultat est une page d'une tendresse singulière, parmi les plus personnelles de son catalogue. Longtemps oubliée, elle a été redécouverte à partir des années 1970. Comptez un niveau intermédiaire.

C'est le premier rag que Scott Joplin ait vu imprimé. Il paraît à Kansas City en mars 1899, quelques mois avant le *Maple Leaf Rag* qui fera sa fortune, et sa page de titre porte une mention qui en dit long sur l'époque : l'éditeur Carl Hoffman y crédite un arrangeur, Charles N. Daniels, comme si la partition d'un pianiste noir avait besoin d'une caution pour se vendre. Le titre au pluriel n'est pas une erreur. *Original Rags* se présente comme un assemblage de plusieurs airs, et il en garde l'allure : chaque section apporte une idée nouvelle, sans chercher l'unité thématique que Joplin maîtrisera plus tard. L'écriture est déjà typique : basse alternée, mélodie syncopée, forme en sections de seize mesures reprises. Mais on sent un compositeur qui cherche encore sa manière, avec des idées plus nombreuses et moins développées que dans les rags de la maturité. Pour le pianiste, c'est une porte d'entrée intéressante : un rag complet, authentique, un peu moins exigeant que les grandes pages qui suivront.

C'est le dernier rag que Joplin ait publié de son vivant. Il paraît en 1914, trois ans avant sa mort, édité par la maison qu'il avait fondée lui-même avec sa troisième épouse, Lottie, après des années de relations difficiles avec les éditeurs. On y entend un compositeur qui a changé. La forme est plus libre, les enchaînements harmoniques plus audacieux, et une section en mode mineur installe une gravité inhabituelle dans le genre. Le morceau a quelque chose d'une méditation sur le ragtime autant que d'un rag. Beaucoup y voient une pièce d'adieu, écrite alors que la santé de Joplin déclinait et que son opéra restait inédit. Rien ne l'atteste formellement, mais le contraste avec l'insouciance des rags de 1900 est frappant. C'est aussi l'un des plus exigeants à interpréter : il demande une vraie maturité pour faire entendre, sous la forme d'une danse, cette mélancolie retenue. Niveau intermédiaire avancé.

Publié en 1908, *Pine Apple Rag* compte parmi les rags les plus populaires de Joplin de son vivant. Son succès fut tel qu'une version chantée, avec des paroles ajoutées, parut deux ans plus tard, ce qui était le signe d'un vrai tube à l'époque. La musique explique cette popularité. Les mélodies sont immédiatement mémorisables, les syncopes franches et joyeuses, et l'ensemble dégage une bonne humeur communicative. C'est un rag facile à aimer, conçu pour plaire sans rien sacrifier de la qualité d'écriture. On y trouve aussi le soin que Joplin apporte, à cette période, à la variété des textures : les sections ne se ressemblent pas, la main gauche change de dessin, et le morceau réserve plusieurs surprises à qui l'écoute attentivement. Pour le pianiste, c'est une excellente pièce de concert ou d'audition, qui fait toujours son effet. Niveau intermédiaire.

Le titre est presque une profession de foi. En 1902, Joplin cherche à faire reconnaître le ragtime comme une musique sérieuse, digne d'être écrite, publiée et étudiée, et non comme un simple divertissement de saloon. Parler de syncopes « d'élite », c'est revendiquer une place dans la musique savante. La pièce justifie cette ambition. L'écriture y est particulièrement soignée, les enchaînements harmoniques plus recherchés que dans beaucoup de rags de l'époque, et chaque section est construite avec une précision d'horloger. Rien n'est laissé au hasard. Le caractère reste celui d'une danse, vive et élégante, mais on sent un compositeur qui pense en termes de forme et d'équilibre. La publication chez John Stark, éditeur attaché à défendre le « ragtime classique », s'inscrit dans cette démarche. Le morceau demande un niveau intermédiaire solide : les syncopes y sont plus serrées et la main droite plus sollicitée que dans les rags lents.

## Un succès de 1902, redevenu succès en 1973 Scott Joplin publie *The Entertainer* chez John Stark en 1902, au sommet de la vogue du ragtime. Le morceau se vend correctement, puis disparaît avec la mode, comme presque tout son catalogue. Il faut attendre 1973 et la bande originale de *L'Arnaque*, arrangée par Marvin Hamlisch, pour qu'il devienne l'une des mélodies les plus reconnaissables du XXe siècle. Le film se déroule dans les années 1930, où le ragtime avait déjà vingt ans de retard, mais l'anachronisme n'a gêné personne. ## Ce qu'est vraiment un rag Le principe tient en une phrase : la main gauche marque une pulsation régulière, la main droite joue systématiquement à côté. C'est la syncope, et c'est de là que vient tout l'effet de balancement. La forme est celle d'une marche, en sections contrastées de seize mesures qui s'enchaînent sans retour au thème initial. La pièce est en do majeur et se termine dans la sous-dominante. ## Une mise en garde de l'auteur Joplin faisait imprimer sur ses partitions un avertissement resté célèbre : il ne faut jamais jouer un ragtime vite. L'indication est respectée par presque personne. Elle est pourtant juste, car le morceau perd son élégance dès qu'il est précipité, et la syncope cesse alors de s'entendre.

Publié en 1899 à Sedalia, dans le Missouri, ce rag fut le premier morceau de musique instrumentale à dépasser le million d'exemplaires vendus en partition. Scott Joplin avait négocié avec son éditeur John Stark un contrat lui garantissant un centime par exemplaire, ce qui était rare pour un compositeur noir à cette époque et lui assura des revenus jusqu'à la fin de sa vie. Le morceau donne au ragtime sa forme classique : quatre sections de seize mesures, chacune reprise, enchaînées comme les figures d'une marche. La main gauche alterne basses et accords avec une régularité de métronome, pendant que la droite décale ses attaques contre cette pulsation. Ce frottement entre une base rigide et une mélodie syncopée est tout le principe du genre. Le nom vient du Maple Leaf Club, l'établissement de Sedalia où Joplin se produisait. Le succès fut tel que ce rag devint le modèle du genre : pendant vingt ans, les compositeurs qui suivirent furent jugés à son aune, et Joplin lui-même dut se battre pour qu'on le considère autrement que comme l'auteur d'un tube. Il consacra ses dernières années à un opéra, *Treemonisha*, qui ne fut monté intégralement qu'en 1972, plus d'un demi-siècle après sa mort.