Voix et musique vocale : lied, aria, opéra

Le soprano est la voix la plus haute, celle des femmes et des jeunes chanteurs, dont la tessiture s'étend en gros du do central à deux octaves au-dessus. Dans un chœur à quatre voix, il porte le plus souvent la mélodie, à la partie supérieure. On distingue plusieurs sortes de sopranos selon la couleur et l'agilité, du soprano léger au soprano dramatique. Au piano, cette voix correspond à la ligne supérieure de la main droite, celle que l'oreille suit d'abord et qu'il faut faire chanter.

L'alto est la voix de femme la plus grave, placée entre le soprano au-dessus et le ténor en dessous. On l'appelle aussi contralto pour ses timbres les plus sombres. Dans le chœur à quatre voix, il tient la partie intérieure sous le soprano, remplissant l'harmonie plus qu'il ne mène le chant. Sa couleur pleine et veloutée touche particulièrement dans les pages de douleur ou de recueillement. À ne pas confondre avec l'instrument à cordes du même nom, qui occupe une région voisine du registre médium.

Le ténor est la voix d'homme la plus haute en dehors des cas particuliers, avec une tessiture qui monte vigoureusement au-dessus du do central. Son nom vient du latin tenere, tenir, car au Moyen Âge cette partie tenait la mélodie longue sur laquelle se construisait la polyphonie. Devenu voix de héros à l'opéra, le ténor brille par l'éclat de ses aigus. Dans le chœur à quatre voix, il chante juste au-dessus de la basse. Au clavier, sa ligne se loge souvent dans le haut de la main gauche.

La basse est la voix la plus grave, dont la tessiture descend bien au-dessous du do central. Dans un ensemble, elle sert d'assise : c'est sur sa ligne que se règle l'harmonie, et de son mouvement dépend le sens des accords. À l'opéra, on lui donne volontiers les rôles de roi, de prêtre ou de vieillard, pour la gravité de son timbre. Le pianiste retrouve ce rôle de fondation à la main gauche, dont la note grave fixe l'accord entendu par-dessus. Une basse bien tenue soutient toute la texture.

L'expression a cappella, littéralement à la chapelle, qualifie une musique chantée sans le moindre instrument, portée par les seules voix. Elle renvoie au style des grands maîtres de la polyphonie religieuse, où le chœur se suffisait à lui-même. Chanter ainsi met à nu la justesse et l'équilibre des voix, sans clavier pour rattraper une hauteur qui fléchit. Le piano sert alors non à accompagner mais à répéter : il donne le ton, soutient l'apprentissage, puis se tait quand le chœur peut voler de ses propres ailes.

Le Lied — au pluriel Lieder, « chansons » en allemand — est une mélodie vocale sur texte poétique allemand, accompagnée au piano. Le romantisme en a fait un genre majeur : des vers de Goethe, Schiller, Heine ou Eichendorff, une voix seule, un piano qui ne se contente pas d'accompagner mais raconte — la chevauchée haletante d'Erlkönig est jouée autant que chantée. La forme va du strophique simple au durchkomponiert, composé d'un bout à l'autre sans répétition.

Schubert domine le genre avec près de six cents Lieder, d'Erlkönig aux cycles Die schöne Müllerin et Winterreise. Suivent Schumann (Dichterliebe, Frauenliebe und -leben), Brahms (Vier ernste Gesänge), Hugo Wolf à l'harmonie audacieuse, Mahler et ses Lieder symphoniques, Strauss enfin avec les Quatre derniers Lieder. Le piano seul s'est approprié le genre par deux chemins. Mendelssohn invente les Lieder ohne Worte — huit cahiers de chansons sans paroles où la main droite chante sur l'accompagnement de la gauche. Et Liszt transcrit des dizaines de Lieder de Schubert : ces transcriptions sont devenues des chefs-d'œuvre pianistiques à part entière.

L'aria, mot italien pour air, est la pièce chantée par un soliste au sein d'un opéra, d'un oratorio ou d'une cantate. À la différence du récitatif qui débite le texte au fil de l'action, l'aria suspend le temps pour développer un sentiment sur une mélodie construite. La forme dite da capo, très répandue à l'époque baroque, en fait rejouer la première partie ornée après une section centrale contrastée. Beaucoup d'arias célèbres ont circulé au XIXe siècle en transcriptions pour piano seul.

Le récitatif vient de l'opéra baroque. Monteverdi en fait l'outil principal pour faire avancer l'action dramatique entre les airs chantés. Au piano, le terme désigne par analogie un passage où l'écriture imite le débit parlé : phrases courtes, silences expressifs, valeurs irrégulières, parfois marquées "quasi recitativo".

Beethoven exploite le procédé avec une force inédite. La Sonate op. 31 no 2 "La Tempête" contient deux récitatifs au premier mouvement, marqués "con espressione e semplicemente". L'instrument semble parler — non chanter. C'est presque théâtral. La Sonate op. 110 et la Neuvième Symphonie pousseront le procédé encore plus loin.

Sauf qu'au piano, le récitatif demande une grande liberté rythmique de l'interprète. Pas de pulsation stricte, sinon l'effet disparaît. Schumann reprend l'idée dans certaines de ses Fantaisies. C'est un moment d'intimité où la musique semble suspendre son cours pour confier quelque chose.

Une vocalise est un passage chanté sur une seule voyelle, sans texte, où la voix se déploie comme un instrument. Comme exercice, elle assouplit le souffle et l'agilité loin des contraintes des mots. Comme genre, elle devient au XXe siècle une pièce de concert entière où la ligne pure remplace le poème. On appelle aussi vocalise les longues guirlandes de notes posées sur une même syllabe dans un air baroque. Au piano, l'accompagnateur en soutient le fil et respire avec le chanteur.

La cantate est une œuvre chantée en plusieurs mouvements, alternant airs, récitatifs et parfois chœurs, accompagnée d'un ensemble instrumental. Le mot vient de l'italien cantare, chanter, par opposition à la sonate qui se joue. Elle peut être sacrée, écrite pour le service religieux, ou profane sur un sujet mondain. Plus resserrée que l'oratorio, elle tient souvent en une vingtaine de minutes. Le clavier y assure fréquemment la basse continue, socle harmonique sur lequel se déploient les voix.

L'oratorio raconte un récit sacré à grande échelle, avec solistes, chœur et orchestre, mais sans costumes ni décors : c'est un opéra spirituel que l'on écoute plutôt que l'on regarde. Un récitant ou les personnages font avancer l'histoire, entrecoupée d'airs et de grands chœurs de méditation. Né à Rome au XVIIe siècle, le genre trouve son apogée avec les fresques bibliques du XVIIIe. Le pianiste en découvre les airs et les chœurs par les réductions pour chant et piano.

La messe met en musique l'ordinaire de la liturgie catholique, c'est-à-dire les cinq textes qui reviennent à chaque célébration : Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus et Agnus Dei. Selon les moyens, elle va de la simple mélodie a cappella à la grande fresque pour solistes, chœur et orchestre. Genre central de la musique occidentale pendant des siècles, elle a occupé presque tous les grands compositeurs. Au piano, on l'approche par les réductions chant et clavier qui en conservent l'ossature harmonique.

Le requiem est la messe des défunts, ainsi nommée d'après le premier mot du texte latin, requiem aeternam, le repos éternel. Sa mise en musique reprend les parties de la messe et y ajoute des textes propres comme le Dies irae, page du jugement souvent traitée avec force. Du plain-chant médiéval aux vastes partitions du XIXe siècle, le genre a nourri quelques sommets de la musique chorale. Le pianiste en aborde les pages par les réductions pour chant et piano ou pour piano seul.

L'opéra est une pièce de théâtre chantée, où la musique porte l'action au lieu de la parole. Il réunit solistes, chœur et orchestre autour d'un livret, avec décors, costumes et mise en scène. Airs, récitatifs et ensembles s'y enchaînent selon les conventions de chaque époque et de chaque pays. Genre né en Italie vers 1600, il a rayonné dans toute l'Europe. Au piano, l'opéra vit une seconde vie à travers les réductions et les fantaisies brillantes que les virtuoses en tiraient au XIXe siècle.