Accélérer, ralentir, respirer : les changements de tempo

Accelerando — « en accélérant », abrégé accel. — demande une accélération progressive du tempo, étalée sur plusieurs mesures, jusqu'à un nouveau tempo parfois précisé, parfois laissé au choix de l'interprète. Sur la partition, l'abréviation est souvent suivie d'une ligne pointillée couvrant la durée de l'accélération ; le retour se signale par a tempo, Tempo I ou une nouvelle indication métronomique. Son opposé exact est le ritardando (ou rallentando), qui ralentit graduellement.

Facile à comprendre, difficile à réussir. Un accelerando convaincant suppose une progressivité régulière, sans à-coup ; une cohérence avec la phrase, car accélérer pour accélérer ne sert à rien ; et un tempo cible en tête dès le départ — savoir où l'on va, pour ne pas s'emballer trop tôt ni arriver trop court.

Stringendo — « en serrant » — demande d'accélérer le tempo tout en intensifiant l'expression, souvent avec un crescendo parallèle. La nuance avec l'accelerando tient au ton : l'accelerando accélère progressivement, régulièrement, sans couleur particulière ; le stringendo presse, serre, pousse vers l'avant, avec une amplification dynamique implicite. Une urgence, en somme.

Le procédé appartient au discours romantique, où la tension croît jusqu'au point culminant. Chopin l'emploie à l'approche des codas de ses ballades et scherzos ; Liszt dans les Études d'exécution transcendante ; Schumann dans les Davidsbündlertänze ou les Études symphoniques. L'indication est souvent suivie d'un animato, d'un più mosso ou d'un vivace qui fixent le tempo d'arrivée.

Incalzando dérive du verbe « incalzare », talonner, poursuivre. La musique presse le pas comme si elle courait après quelque chose. À la différence d'un simple accelerando, l'indication porte une charge expressive : on accélère avec insistance, souvent en gagnant en intensité. Au piano, l'effet demande de garder une pulsation intérieure régulière pendant qu'on resserre, sans quoi la précipitation tourne à la bousculade. Le pianiste conduit l'accélération par petites poussées et laisse l'harmonie porter la montée, avant de relâcher au sommet.

Affrettando signifie « en se dépêchant ». C'est une accélération courte, souvent locale, qui peint l'empressement ou l'inquiétude plus qu'un vrai changement de tempo. Le mouvement se hâte quelques mesures puis retrouve son allure. Au piano, la tentation est de tout précipiter d'un coup ; mieux vaut installer la hâte progressivement, en gardant les valeurs nettes pour que l'auditeur sente l'urgence sans perdre le fil rythmique. On le lit parfois couplé à une nuance montante, l'accélération et le crescendo se soutenant. Le retour au calme, ensuite, n'en ressort que mieux.

En italien, più signifie « plus » et mosso « mû, en mouvement ». L'indication réclame donc une pulsation plus rapide qu'auparavant. Le changement est en général immédiat et installe une nouvelle allure stable, à la différence d'un accelerando progressif.

C'est l'outil des contrastes de section : un thème serein bascule d'un coup vers plus de fébrilité, ou une coda s'emballe pour conclure. Son pendant exact est meno mosso.

Symétrique de più mosso, l'expression associe meno (moins) et mosso (en mouvement). Le tempo se détend brusquement et se fixe à un nouveau palier plus lent. Là encore, le changement est franc, contrairement au freinage graduel d'un rallentando.

Les compositeurs s'en servent pour ouvrir une parenthèse de calme, souligner un passage plus chantant, ou ménager une zone de repos avant une relance. C'est un marqueur de structure autant qu'une nuance d'atmosphère.

Rallentando dérive du verbe « rallentare », ralentir. La partition demande de laisser le tempo se détendre peu à peu, sans rupture brutale. On l'abrège en « rall. ». Le geste ressemble à celui du ritardando, au point que beaucoup de musiciens les traitent en synonymes.

Y a-t-il une différence ? Les avis divergent. Certains pédagogues voient dans le rallentando un ralentissement qui concerne toute la texture musicale, un élargissement du discours, tandis que le ritardando toucherait plutôt la pulsation. D'autres n'y voient qu'une préférence d'écriture propre à chaque compositeur. Dans la pratique, l'oreille et le contexte décident. Un rallentando en fin de phrase prépare une respiration ; placé avant une reprise, il annonce le retour du thème.

Ritardando — « en retardant », abrégé rit. — demande un ralentissement progressif du tempo. Avec rallentando (rall.), c'est le terme le plus courant pour signaler une décélération, mais le vocabulaire voisin mérite d'être trié : le rallentando est souvent plus marqué, parfois plus brusque ; le ritenuto impose un ralentissement immédiat, non progressif — on le confond sans cesse avec le ritardando ; le largando élargit le son en même temps qu'il ralentit ; le calando combine ralentissement et baisse de volume.

Dans le répertoire romantique, les ritardandi de fin de phrase ponctuent le discours musical comme les virgules et les points dans un texte. Chopin et Brahms en jouent en maîtres. Reste l'erreur classique : ritardando ne veut pas dire « ralentir énormément », mais « ralentir progressivement ». Beaucoup d'élèves transforment chaque fin de phrase en molto rit. — excès qui romantise artificiellement la musique.

Du participe passé de l'italien ritenere, retenir, ritenuto prescrit un freinage immédiat du tempo, contrairement à ritardando qui ralentit progressivement. La retenue s'applique souvent à une poignée de notes, le temps d'un soupir expressif, avant que le mouvement ne reprenne.

Cette distinction entre ralenti graduel et ralenti instantané échappe parfois à l'interprète, mais elle change la respiration d'une phrase. Ritenuto crée un effet d'appui, presque une hésitation, là où rallentando étire le discours sur la durée. On l'abrège souvent en rit., source de confusion avec ritardando.

Le mot vient du verbe italien allargare, élargir. Allargando ne se contente pas de freiner le tempo : il dilate aussi la matière sonore. La nuance enfle souvent, le phrasé s'étoffe, comme si la musique prenait de l'espace en même temps qu'elle ralentit.

C'est l'indication des fins majestueuses, des apothéoses où l'on veut sceller un mouvement avec grandeur. Elle se distingue ainsi du simple ritardando, qui ralentit sans nécessairement gagner en puissance.

Calando — « en s'apaisant » — cumule deux effets : un ralentissement progressif du tempo, comme un ritardando, et une baisse progressive du volume, comme un diminuendo. L'image est celle d'une extinction — flamme qui faiblit, voix qui s'éloigne. Le vocabulaire voisin gradue l'effet : le diminuendo ne touche que le volume, le ritardando que le tempo ; le smorzando (« en s'éteignant ») va plus loin que le calando, et le morendo (« en mourant ») pousse l'évanouissement à son terme.

On le rencontre en fin de phrase importante, à la clôture d'une section avant le retour du thème, ou dans une coda qui s'achève dans l'évanescence. Pour le pianiste, l'exercice est délicat : ralentir et alléger en même temps, sans que l'un déséquilibre l'autre — un double contrôle qui compte parmi les plus subtils de l'interprétation.

Smorzando vient de « smorzare », éteindre, étouffer. Le mot évoque une flamme qui faiblit. Sur la partition, il réunit deux idées à la fois : le son diminue et le mouvement se retire, comme si la musique s'endormait. On l'abrège parfois « smorz. ».

Ce double sens le distingue du simple diminuendo, qui ne touche que l'intensité. Ici, tout se retire ensemble, le volume et l'élan. Le pianiste doit donc doser la pédale, alléger le toucher, laisser les dernières notes flotter avant le silence. C'est une nuance de fin, rarement placée en milieu de phrase. Mais certains compositeurs romantiques l'emploient au cœur d'un passage pour créer une suspension, un moment où le temps semble s'arrêter avant de repartir.

Perdendosi vient de l'italien « se perdre ». Le terme réunit deux gestes : ralentir le tempo et affaiblir le son, comme si la musique s'évaporait. On le rencontre en fin de phrase ou de morceau, là où le compositeur veut que la dernière note semble s'éloigner plutôt que s'arrêter net. Au piano, tout tient au dosage : le retrait des doigts et la pédale doivent rendre la décrue continue, sans point d'arrêt brutal. L'oreille doit croire que le son disparaît de lui-même. Proche de morendo et de smorzando, perdendosi insiste surtout sur l'idée d'éloignement.

Locution italienne signifiant « au temps », a tempo remet les pendules à l'heure. Après un ritardando, un accelerando ou une zone de rubato, elle rétablit la pulsation de départ. C'est un repère de cohérence qui évite que les libertés expressives ne désorganisent le discours.

On la précise parfois en a tempo primo (au premier tempo) lorsqu'un morceau a connu plusieurs vitesses. Discrète mais précieuse, elle structure la respiration d'une interprétation.

Rubato — « volé » en italien, abréviation de tempo rubato — désigne une liberté rythmique appliquée à la mélodie : l'interprète étire certaines notes et rattrape le temps dérobé sur les suivantes. La pulsation d'ensemble tient bon ; à l'intérieur de la phrase, les durées se plient à l'expression.

Le mot reste indissociable de Chopin, qui l'enseignait par une image restée célèbre : la main gauche est le maître de chapelle et ne doit jamais hésiter, la main droite peut prendre des libertés. Cette dissociation des mains — accompagnement stable, chant libre — définit le rubato chopinien, souverain dans les nocturnes, les mazurkas et les valses. Chaque romantique a ensuite son dosage : ample, presque déclamatoire chez Liszt ; discret et fondu dans la phrase chez Brahms ou Schumann ; vaste et sculpté chez Rachmaninov.

Le danger guette pourtant : mal dosé, le rubato vire au sentimentalisme — ralentir systématiquement sur les notes longues, précipiter les traits rapides. La règle tient en peu de mots : le rubato sert la phrase, il ne la décore pas.